Beleza lúdica

Os brasilienses tiveram uma oportunidade rara neste mês de março: assistir a estreia nacional de uma obra de dança: “Camélia”, da Márcia Milhazes Companhia de Dança, que esteve em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil de 1º a 18 de março. O espetáculo, gratuito, era apresentado no vão livre do CCBB. Uma obra delicada, de uma beleza lúdica, que atraia toda a família – sobretudo por causa do cenário.

Composta por três cenas, “Camélia” é permeada pela obra de Beatriz Milhazes. A cenografia teve como base o móbile Aquarium, produzido por Beatriz com pedras e metais preciosos, a convite da Fondation Cartier, em Paris. São, então, cinco destes móbiles no teto, espalhados no espaço delimitado para a cena acontecer. As cadeiras para os espectadores circundam o tablado da cena, sendo que em um dos lados há uma parede de vidro – que reflete os bailarinos.

“Camélia” é o resultado de uma experiência anterior de Márcia Milhazes, que havia sido convidada para realizar uma apresentação na abertura de um panorama da arte brasileira na Espanha e, em frente a um museu, percebeu como era lidar com espaços abertos. Esta mudança no espaço da cena é um marco na trajetória da coreógrafa, acostumada ao palco italiano.

A trilha sonora compõe e divide Camélia em três blocos, onde o foco é a brasilidade. No primeiro estão os motivos sacros e barrocos de Francisco Xavier Batista, Padre José Maurício e Carlos Seixas, compositores do século 17, interpretados pelo cravista Marcelo Fagerlande. Nesta primeira cena, há uma ludicidade grande, é como se as bailarinas Aline Arakaki e a brasiliense Ana Amélia Vianna brincassem entre elas: um jogo de procura e esconde – deixando o bailarino (Felipe Padilha) solitário. A parede de vidro serve de elemento definidor desta brincadeira.

O segundo bloco traz Heitor Villa-Lobos com Prelúdio nº2 ,  para piano e violoncelo, e Sonata para cordas. Nesta fase, mudam-se os figurinos e há mais espaços para pas de deux, como se Felipe Padilha, por vezes, fosse disputado pelas meninas. A terceira intervenção é um retorno ao século 17, com peça anônima escrita para viola da gamba. Volta-se também para o primeiro figurino. O desenho do figurino, também de Márcia Milhazes, compõe com o cenário da irmã, com cores fortes para as bailarinas e branco para o bailarino. 

A movimentação do elenco é permeada pelo uso dos membros: pernas e braços que voam no espaço e, por vezes, tocam os móbiles, balançando-os.  E é toda essa brincadeira que encanta os olhos. Em cada intervalo, crianças da plateia invadem o espaço e se divertem tentando tocar os móbiles e voar como os bailarinos.

Sem grandes pretensões, “Camélia” é o típico espetáculo familiar, para se deliciar.

Piegas, mas real

O filme “Duas vidas” (de Jon Turteltaub) conta a história de um homem que, ao fazer 40 anos, repensa sua vida. Quem nunca passou por isso? A vida que se tem e a que se queria ter é o tema de “A mecânica das borboletas”, em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil até 8 de abril.

A obra de Walter Daguerre foi criada quando ele esteve em Cerro Branco, no interior do Rio Grande do Sul, e ficou pensando o que seria aquela vida de laçar cavalo, aquela vida de fazenda, em contraste com a sua, cosmopolita. A partir desta dualidade, Daguerre se utiliza da lenda de Rômulo e Remo para soltar suas metáforas a respeito das nossas escolhas e da construção dos nossos impérios.

“A mecânica das borboletas” aborda estes temas contando a história de Rômulo,  vivido por Eriberto Leão, que volta para casa 20 anos depois de sair em busca do sonho de desvendar o mundo. Ele reencontra o gêmeo Remo (Otto Júnior), que manteve o negócio do pai e prosseguiu no mesmo ofício, no mesmo lugar, e que tem o sonho de ter uma Harley Davidson, que usará para a sua vigem. Mas falta ainda a borboleta do carburador...

Por horas, o texto parece piegas, mas Daguerre tem boas tiradas – e nos leva a rir das situações da  vida. Quem nunca repensou sua vida? Quem nunca comparou a sua vida com a dos seus irmãos? Mesmo soando piegas, “A mecânica das borboletas” é universal e, no conjunto, é a encenação é boa – apesar de algumas escolhas estéticas questionáveis.

O cenário tenta retratar o espaço da história e dispõe de recursos para desenrolar o enredo. A luz marca as passagens. A trilha sonora pontua os momentos de tensão e de embates mas, no final, é óbvia, com Jorge Dexler e a referência ao filme “Diários de uma motocicleta”. Referencias, inclusive, é um dos recursos mais usados pelo dramaturgo ao longo de toda a história.

Outra escolha estética é a da direção (Paulo de Moraes), que usa em seus atores um tipo de impostação de voz que soa falsa. É como se o texto estivesse apenas saindo da boca para fora, sem verdade. Este elemento é gritante na primeira cena, mesmo na fala de Suzana Faini, atriz com longa trajetória, que faz o papel da mãe. Por vezes, é como se estivéssemos assistindo um vídeo com um delay entre a voz e a interpretação. Os momentos de verdade parecem, somente, os de fúria. No desenvolver da peça, a interpretação vai se acertando – exceto no caso de Ana Kurtner, que parece ter uma batata na boca – e os textos não soam mais como da boca para fora. Ou somos nós, espectadores, que nos acostumamos?
Apesar de alguns poréns, vale a pena sair de casa para ver a peça. É uma obra leve, mas que tras algumas reflexões. Típico programa de domingo. Mas nada que se aplauda em pé.

Eterna Pina

Como não deixar os olhos marejarem diante de "Ikiru", o solo de Tadashi Endo que faz uma homenagem à Pina Bausch? A obra, que estreou em 2009, e chegou ao Brasil no ano seguinte, veio a Brasília neste final de semana, na Caixa Cultural. Daqui segue para Fortaleza, onde será apresentada sábado e domingo que vem, no Teatro José de Alencar.
Na tradução para o português, Ikiru significa vida. Ao celebrar os mortos - seus mestres, Pina (2009) e Kazuo Ohno (2010) -, o bailarino japonês celebra a vida. Mais que uma homenagem à Pina, é uma releitura de "Café Müller", obra-prima da alemã, que estreou em 1978.
"Quando assisti Pina Bausch em 'Café Müller' - cega e incerta, fraca mas forte, para ultrapassar todas as barreiras (cadeiras) com o desejo impertubável de alcançar sua meta, eu fiquei impressionado!", diz o coreógrafo. Então, seu solo começa com ele sentado, com os braços esticados, como no caminhar de Pina em "Café Müller". Veste-se com uma roupa japonesa e dança o seu butô e, aos poucos, vai saindo desta roupa e desta movimentação leve e lenta e vira. Está então com uma daquelas camisolas que Pina tanto gostava e seus braços falam tanto quanto falavam o da alemã. Debate-se, então, também na sua "cegueira", mas não em cadeiras e, sim, em uma placa de alumínio que é o seu cenário. Faz-se um estrondo. E aquele ruído é muito mais forte e impactante que as cadeiras de Pina. É a cara dada à tapa, é o corpo se esfacelando.
As mudanças de nuances (e a passagem do butô para a dança-teatro) vão se dando junto com as de roupa, que vão diminuindo. Até que ele cai nu no chão, com os braços estendidos - os braços de Pina. E na penumbra do palco vemos ela, em "Café Müller". Uma bela reverência. Na hora de agradecer, antes de vir a nós, que estamos ali, com os olhos marejados, pensando nesta vida curta que temos, na solidão de Pina e dele em cena, em tudo isso e mais um pouco, ele faz com um corpo a reverência a ela e, então, se entrega a nós, mortais, para os aplausos. Simplesmente lindo. E eu fico me perguntando: por que essa alemãzinha, tão frágil e ao mesmo tempo tão forte, nos deixou tão cedo, se ainda tinha tanto a nos dizer?